A. ある出版企画の方から、クラシックの名曲を調性ごとにハ長調の名曲、ト長調の名曲というふうに紹介するような本を作れないか、という問い合わせがあったのが始まりです。

ちょうどこの本の最終章にあたる部分がメインにあり、それを説明するうえで、なぜこういう曲が生まれたのか、それぞれの曲がどう違うのか、そもそも調性って何なのか？　……などについても説明しないといけない、ということになった。それがだんだんふくらんで、この本ができあがったというわけです。



Q. 作曲家にとって、調性はどれくらい重要な存在なのでしょうか？

A. クラシックの曲って「交響曲第5番ハ短調」のように、まず曲名の中に調性が書いてあるでしょう。
モーツァルトやベートーヴェンの時代は、現代より曲の調性が重要視されていました。というのも当時の楽器は、今ほど自由自在に移調したり、どんな音でも出したりできなかった。

金管なんて、ドミソしか出せない構造の中で始まったものだし、ティンパニーもドとソしか出せないんだから、最初にチューニングを決めてくれないと叩けない。「これからヘ長調の曲やるよー！」と言ったら、ヘ長調を吹ける楽器を集めなきゃならない、といった歴史的背景から、楽曲に調性が表記されるようになったんです。

また、楽器ごとに得意な調と苦手な調がありますが、一般的には意外と知られていませんよね。ピアノを弾く人なら＃と♭が多い曲は難しそう、というくらいは知っていますが、実は弦楽器は＃系、管楽器は♭系が鳴らしやすい調性なんです。作曲家はそういったことを踏まえて曲の編成を考えるわけです。

現代では、いったん調性をなくして新しいものを一から作る“現代音楽”の手法が主流ですが、僕自身は「調性無くして何が音楽だ！」だと思っているので、逆らって調性を用いた曲を書いています（笑）。

そんなわけで、この本では調性がいかに重要なものであるかについても解説しています。


Q. ヤマハ銀座店をはじめ、楽器店や書店の音楽書ジャンルで1位を記録し続けているそうですが、読者が食いつく理由は何だと思いますか？

A．うーん、どこがどう気に入っていただけたのかはよくわかりません（笑）。この本の内容は、難しくはないけど易しくもないというちょっと変わった視点から説いていますから。

ただ僕は独学で音楽を学んだので、そもそも音楽の基礎から順を追って勉強していないんです。十代の頃までは普通にポップスを聴いていて、興味は音楽より物理や天文学など理工科系の方にありましたし。それが中学３年生の時に突然クラシックを聴き始め、「何これ？　面白いじゃない！」とそこから逆行するように勉強し始めた。

結果、作曲家としてはプロなんですが、興味や感覚はどこまでも素人なんですよね。ですからこの本は、そういう自分が素朴に興味を持った順に掘り下げてゆき、プロの現場での実体験と照らし合わせていったわけで、そういうところが、読者の皆様におもしろいと思ってもらえたのかも知れないですね。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　（本書内：P170～171より）

Q．吉松さんが考える“調性の魅力”とは？

A．僕の音楽人生は、「何でこの曲聴くと涙が出るの？」というところからスタートしました。そこで、いろいろ曲を聴いたり楽譜を読んだりしているうちに、どうやらハーモニーの塊が動く、つまりあるキーからあるキーに変化する瞬間、自分は感動しているのだということがわかってきました。
ずっとハ長調のままだったら、何にもおもしろくないでしょう？　ところがト短調からハ長調に変わる瞬間、私たちははっとしたりする。泣いてるだけ（短調）、笑っているだけ（長調）じゃおもしろくない。泣かせるところから始まって、笑ってちょっと怒らせて、最後にニッコリ解放する。クラシックの複雑な曲というのは、作曲家たちが手練手管を尽くした総決算とも言えるのです。

恋愛も「好きです、結婚しましょう」「はい！」だけだと、おもしろくも何ともないでしょう。親が反対するとか、身分が違うとか、生き別れになってしまうとか、さまざまな障害があった後にハッピーエンドがあるという波乱万丈こそが感動を呼ぶ。結局、作曲家がいかにいろんな要素、調性やテンポや楽想のコントラストを曲中に投入するかで、楽曲のおもしろさ深さが変わってくるんです。キャラクターが立った単一の調だけの短い曲もいいけれど、交響曲のようにいろんな調性が登場して、その流れの変化を聴き取ることは、クラシックを聴く醍醐味のひとつなんじゃないかな。

「ロミオとジュリエット」も、「あの子と付き合っちゃダメ」と言われるから余計恋の炎が燃え上がるし、ハードルがあればあるほど成就した時の達成感が違うでしょ（笑）。障害を作るというのも、感動を深めるためのある種のテクニック。映画だって、徹底的に悪役を作らないと、倒したって開放感がない。色々な手持ちのキャラクターや状況を駆使してクライマックスに向けて盛り上げるというのは、音楽や小説、映画などにも共通していますよね。音楽では「調性」が文字通りその「キー」ということなのです。

吉松 隆（よしまつ・たかし）
1953年（昭和28年）東京生まれ。作曲家。
1981年に「朱鷺によせる哀歌」でデビュー。以後、現代のクラシック系音楽創作界（いわゆる「現代音楽」）の非音楽的な傾向に異を唱え、 調性やメロディを全面的に復活させた独自の路線を貫き、作曲活動を展開する。 交響曲や協奏曲を始めとするオーケストラ作品を中心に、室内楽作品、ピアノ作品など作品多数。 映画『ヴィヨンの妻』（2009年）で第33回日本アカデミー賞優秀音楽賞、NHK大河ドラマ『平清盛』（2012年）で第67回日本放送映画芸術大賞放送部門最優秀音楽賞受賞。 クラシックというジャンルを越えた幅広いファンの支持を得ている。評論・エッセイなどの執筆活動のほか、FM音楽番組の解説者やイラストレイターとしても活動。 著書に『吉松隆の 図解クラシック音楽大事典』（学研）、自伝『作曲は鳥のごとく』（春秋社）など。